Después de un domingo de descanso en esta sección casi semanal debida a mi viaje por el norte de Italia y por las regiones adyacentes a la frontera germanosuiza, vengo con una nueva edición de mis recomendaciones semanales, muy asociada a este viaje. Aunque habrá alguna cosita más. Lo que pasa es que la noche de este sábado al domingo, trasnochamos mucho para ir a hacer fotografías nocturnas de la bóveda celeste. Y me daban casi las seis de la madrugada cuando me acostaba. Así que he ido todo el día como los zombis. Y además con una novedad fotográfica en la familia de la que os hablaré en unos días. Por ello, he trasladado mis recomendaciones fotográficas al lunes.
Todo ello aderezado con algunas fotografías del viaje.
Lo podemos comprobar día tras día; en los viajes contemporáneos, el acto fotográfico por excelencia es el selfi, el autorretrato realizado con la cámara del teléfono móvil para anunciar al mundo "yo estoy aquí". Duomo de Milán.
En los días que estuve de viaje, los cinco primeros me alojé en Milán. En casa de unos amigos muy queridos, que me apetecía ver. En los últimos años, hemos coincidido en distintos viajes por Italia durante mis vacaciones de Pascua, pero este año no pudo ser. Así que lo he compensado haciéndoles una visita. No voy a entrar ahora en mis actividades en la ciudad "meneghina" y sus alrededores, que ya he comentado previamente. Decir que cursé visita al Museo del Novecento, situado en la Piazza del Duomo, adyacente a la majestuosa catedral milanesa. Tratándose de un museo dedicado al arte moderno y contemporánea, esperaba ver alguna muestra del arte fotográfico... pero mi gozo en un pozo. Hasta cierto punto... En las muestras de la colección permanente no había representantes de la fotografía. Pero con motivo de una exposición temporal denominada "New York, New York" sobre arte contemporáneo norteamericano, en el archivo del museo había una exposición dedicada al viaje y estancia del fotógrafo italiano Ugo Mulas, con un interesante libro de fotografías que publicó en el que nos muestra su relación con "The Factory" de Andy Warhol. Por cierto, que no me importaría hacerme con una copia de ese libro, pero sólo he encontrado de momento una, usada, es de 1967, y cuesta más de 1.100 euros. Va a ser que no.
Las fotografías de Ugo Mulas "salvaron" fotográficamente la visita al Museo del Novecento,... aunque el museo tiene otros muchos centros de interés dentro del arte moderno. Como el futurismo y el "arte povera", corrientes con mucho impacto en la península italiana, cada una en su momento.
Donde sí que pude disfrutar abundantemente de la fotografía fue en la Fotostiftung Schweiz, oficialmente Schweizerische Stiftung für die Photographie (Fundación Suiza para la Fotografía). Esta es una fundación privada, aunque colabora con los poderes públicos suizos para mantener el Fotomuseum Winterthur, museo de la fotografía de la ciudad de Winterthur, uno de los centros más prestigiosos para la conservación, el impulso y el estudio de la fotografía en Suiza y en Europa.
Voy a explicar la peripecia un poco más despacio. Cuando hace unos meses comprobé que mi Plaubel Makina 67 tenía algún problema que hacía que precisase un paso por un servicio técnico busqué y pregunté en Internet. Y hay trabe contacto virtual con una persona, un aficionado a la fotografía que yo estaba convencido era alemán. No doy sus detalles porque el es una persona muy privada y me pidió expresamente que lo mantuviese en el anonimato. De hecho, me enteré de su nombre, lo conocía por pseudónimo, cuando nos encontramos en Constanza para cenar un día. Pero resulta que no es alemán, sino suizo. Vive en Kreuzlingen, que es la ciudad fronteriza adyacente a Constanza. De hecho, cuando quedamos ese martes a cenar, vino a recogerme a la puerta del hotel caminando, porque le suponía un ligero paseo. Yo le hablé de mi interés por el museo de la fotografía de Winterthur. Y se ofreció a acompañarme. Me preguntó qué iba a hacer al día siguiente, y le hable de mi plan de coger un barco por la mañana para hacer la travesía del Rin hasta Schaffhausen y visitar las cataras del Rin (Rheinfall) en Neuhausen).
Manifestó que, si no me importaba, le gustaría acompañarme. Y así hablaríamos largo y tendido sobre fotografía. Me pareció estupendo. Esta persona es muy privada, pero he deducido que es en gran medida por timidez. Porque es absolutamente encantadora y amable. Así que tras visitar las cataratas, cogimos un tren a Winterthur. Y un poco después de las cinco de la tarde llegábamos al museo en Winterthur. Fuimos afortunados. Era miércoles. Y los miércoles el museo cierra a las 20:00 horas en lugar de las 18:00 horas, lo que nos permitía visitarlo con calma. Y encima, ese día, es gratuito. Que no es barato, habitualmente.
Tiene dos edificios, uno sería el de la fundación y el otro el del museo, aunque hay salas de exposición en ambos. Y un "bistro" muy mono, tienda-librería, etcétera, etcétera, etcétera. Bueno, y la para de trolebús más cercana se denomina "Fotozentrum". Así que no es difícil saber como ir.
Pero vamos a lo importante. Las exposiciones.
La primer que vimos fue una dedicada al fotorreportero suizo Dominic Nahr, bajo el título "Blind Spots", dedicada a lo conflictos en África que han perdido su "interés de actualidad" y permanecen como conflictos ignorados por la mayor parte de la gente y la prensa, aunque con graves consecuencias humanitarias para las poblaciones locales. Mali, Somalia, Sudán del Sur, República Centroafricana,... son algunos ejemplos.
Me gustó mucho, tanto por el compromiso del fotógrafo como por la calidad técnica y estética de la obra, con un dominio del color, de la composición y de la oportunidad excelentes.
Por supuesto, la propiedad intelectual de las obras reproducidas es de sus autores, en este caso, Dominic Nahr.
En la segunda exposición, "Situations", nos encontramos con presencia española. Entre otros autores, ya que se trata de una colectiva, encontramos a Cristina de Middel, con un trabajo que me recordó mucho a su proyecto Party. Si en aquel partía de los textos de Libro Rojo de Mao Ze Dong para reconstruir la realidad de la población china actual, eliminando párrafos enteros y dejando algunas palabras que formaban frases totalmente fuera del contexto original, en esta ocasión este trabajo lo hace con las primeras planas de grandes periódicos. En los que además, sustituye las fotografías originales por otras cuyo contenido son gatitos, flores o brécol. El tema de la exposición es la falsedad en los mensajes de los medios de comunicación y de los políticos en el mundo actual. Eso que han llamado algunos la época de la "posverdad", no sé muy bien porque no le llaman directamente "época de las mentiras". Los mensajes se maquillan, las noticias que interesan se ocultan y se nos hace creer que vivimos en un mundo diferente. Puro Orwell. El problema es que tienen razón.
Obra de Cristina de Middel, sobre una portada de un antaño prestigioso diario españo. Ya no. Lo del prestigio, digo.
Había otros fotógrafos y autores presentando su obra sobre el mismo tema pero con distintos enfoques. Me interesó especialmente el trabajo audiovisual "Cloud Bomb Atlas" de Forensic Architecture, en el que este colectivo evalúa a partir de los vídeos tomados con los omnipresentes móviles, los puntos de impacto de los bombardeos en distintas partes del mundo, y que muchas veces llevan a lo que se llaman "daños colaterales". Es decir, muerte de civiles, a veces equipos humanitarios en hospitales y escuelas, con muerte de niños, por bombas que no necesariamente son lanzadas por los "malos". Con frecuencia son bombardeos de aquellos países que dicen defender la democracia.
Estudio de "Forensic Architecture" de un bombardeo con 25 muertos a un hospital de Médicos sin Fronteras en Siria, llevado a cabo probablemente por Rusia por las fuerzas gubernamentales sirias, aunque ambos lo han negado. No fue obra de los radicales islamistas.
Pero sin duda, la exposición estrella del momento es la dedicada al fotógrafo nortemericano Danny Lyon. Con 75 años que cuenta actualmente, todavía está en activo, desde la década de los años 60, en la que es conocido por su profunda implicación y compromiso con el movimiento de los derechos civiles, siendo un defensor destacado de la causa de las comunidades afroamericanas a través de sus fotografías, que tuvieron un impacto real en varias ocasiones. Véase el caso de las adolescentes retenidas ilegalmente conocido como Leesburg Stockade. Un caso como muchos otros que debería avergonzar profundamente a un país como Estados Unidos que en la posguerra mundial se autoproclamaba defensor de la democracia. Y no. Lyon estudió también algunos grupos de la cultura "underground", fue crítico con la guerra, allá donde se produjese, analizó y criticó los destrozos urbanísticos en Nueva York, se involucró con los grupos estudiantiles críticos con el sistema o se introdujo en las cárceles más duras del sur de los Estados Unidos. Desde mi punto de vista, un auténtico defensor de la democracia y la libertad, y un excelente fotógrafo documental. También ha realizado a lo largo de su vida varios cortometrajes.
Autorretrato de Danny Lyon.
Uso de una de sus fotografías para material de protesta contra la actitud de las fuerzas policiales en la represión de movimientos civiles.
Con respecto al viaje, no tengo más que decir. Un par de comentarios, aunque sean breves, sobre cuestiones que han surgido en estas dos semanas.
En el blog de Vantage nos hablan de cinco colectivos de fotógrafos, procedentes de centros educativos del Reino Unido, que nos comentan será interesante seguir en los próximos tiempos. Se trata de los siguientes:
Es interesante conocer lo que hace la gente más joven en el mundo de la fotografía.
Finalmente, en Believe In Film, nos hablan del saber aparentemente desaparecido con el colapso de algunas empresas que en su momento fueron importante o lo fueron todo en su campo, y en este caso en el de la fotografía. Es el caso de Eastman Kodak, empresa casi sinónimo de fotografía en otros tiempos y que hoy está convertida en una sombra de lo que fue. Sin embargo, acumuló mucha experiencia y mucho saber, que están en riesgo de desaparecer. Afortunadamente, en internet se pueden encontrar mucchos documentos. En particular nos recomiendan buscar en archive.org los documentos de Eastman Kodak, y nos ofrecen los enlaces a siete de ellos, como ejemplos de documentos de interés. Dada la naturaleza de la página que lo hace, relacionados con el mundo de la fotografía argéntica y fotoquímica. Desde luego, hay para pasarse muchas hora revisando documentos de todo tipo.
Me despido con un ejemplo de la imaginación creativa de los habitantes de Winterthur, encontrada mientras caminábamos por la ciudad de vuelta a la estación de tren, camino de Kreuzlingen y Constanza.
A la espera de tener la ocasión de ver las dos exposiciones que me faltan de visitar de las tres que ha programado el festival fotográfico PHotoEspaña 2016, recuerdo que la primera fue la de Chema Conesa en la Lonja de Zaragoza, este sábado pasado tuve la ocasión de visitar algunas de las más destacadas exposiciones que se celebran en la ciudad capital del festival, como siempre Madrid.
Siempre he encontrado "inconvenientes" las fechas en que se celebra el festival. Ir de exposiciones en Madrid, con el frecuente calor atorrador que se acumula en el centro de la capital, puede ser absolutamente agotador. De hecho, tras una mala experiencia en el 2013, he faltado a las dos últimas ediciones por no encontrar una fecha disponible con una climatología razonable, aparte de otros motivos. En esta ocasión, para este sábado, parece que se atemperaban algo las temperaturas altas que se habían dado durante la semana. Y me estaba quedando sin excusas para visitar a algunas buenas amistades que tengo en la villa y corte, a las que tenía un tanto abandonadas. Pero vamos con las exposiciones.
Cristina de Middel en el Centro Cultural Fernán Gómez y la galería de La Fábrica
Tenía muchas ganar de contemplar "en directo" la obra de Cristina De Middel. Aunque esta fotógrafa no es de antesdeyer, lo cierto es que ha sido en los últimos años, paradójicamente con más frecuencia en medios extranjeros que nacionales, cuando ha empezado a sonar con fuerza.
Sus proyectos "The Afronauts" y "Party" han dado bastante de qué hablar. Reconozco que la primera vez que me llamó poderosamente la atención fue la imagen de un joven china bailando con alegría y desenfado, acompañada por una página fuertemente censurada de la versión en inglés del libro rojo de Mao en la que lo único que se podía leer era,
"PARTY... If there is to be revolution, there must be a... ... ... ... ... party. ... ... ..."
De lo que podías deducir a partir de ahí sobre las intenciones de la autora... pues lo único que te entraban ganas es de saber más. La idea subyacente, me pareció una genialidad.
El proyecto que se presenta en el festival se titula "Muchísimo", y es como un gran "collage" en el que las imágenes de los distintos proyectos de De Middel cubren las paredes de la amplia sala de exposiciones, repitiéndose, en distintos tamaños, y dialogando unas con otras. Una exposición que se sale de los caminos trillados, que obliga a una contemplación participante de la obra, y que me gustó mucho. El catálogo de la exposición, sin embargo, no me parece a la altura, aunque lo compré.
Por la tarde tuve la ocasión de visitar también la pequeña exposición que en la librería-galería La Fábrica exhibía su serie "Antipodes"
Me hizo gracia cuando leí la entrevista que os recomendé el domingo que apareció hace unos días en Clavoardiendo. Reconocía que hay dos tipos de trabajos entre los que hace. Aquellos que tienen algo que decir pero que no funcionan bien a la hora de generar ingresos y ganarse la vida, y otros que, siendo como es en estos momentos una fotógrafa respetada, se venden bien... y son por lo tantos alimenticios y le permiten financiar los otros, que igual le apetecen más.
Por lo tanto, los paisajes que nos presenta en la galería tienen menos potencia que las imágenes vistas por la mañana. Pero no están mal... y complementan la visión del fotógrafo como artista que tiene que crear y ganarse la vida.
Juanita Biarnés en el Centro Cultural Fernán Gómez
Comparte con De Middel lugar de exposición la veterana reportera gráfica, pionera de su profesión entre las mujeres, Juana Biarnés. Totalmente diferente, aunque ambas compartan en común ser pioneras en formas de hacer cosas.
Fotoperiodista que se mantuvo en activo desde el año 1962 hasta 1985 en que dejó la profesión, está siendo reivindicada en los últimos tiempos después de haber permanecido en un olvido relativo durante todo ese tiempo. Nos sorprende con un conjunto de imágenes frescas, desenfadadas, realizadas con descaro, con poca preocupación por la técnica pero con una maestría en la composición muy superior a la que nos quiere vender. Mucho más divertida que otros fotógrafos de la misma época, sin que por ello recorte un ápice en su misión de reflejar un mundo que nos guste más o nos guste menos era como fue. O como es. Porque más allá de los aspectos externos o estéticos... no sé yo si hemos cambiado tanto como pretendemos. Se pasa bien en la exposición, y se aprecia el trabajo de la fotoperiodista
Libros de fotografía en el Museo de la Biblioteca Nacional
En los últimos tiempos, el libro de fotografía, en muchas ocasiones autoeditado o sacado adelante en pequeñas tiradas por modestas editoriales, pero con mucha imaginación, es la vía por la que muchos fotógrafos se dan a conocer y tratar de nadar en la procelosas aguas de la profesión.
En los sótanos del enorme edificio de la Biblioteca Nacional encontramos un Museo en cuyas salas se han habilitado unos expositores para contemplar los trabajos más destacados del último año. Lo cierto es que para poder apreciar convenientemente los trabajos habría que dedicar mucho más tiempo del que disponía. Y luego te quedas con las ganas de tener algunos de los volúmenes... lo cual es difícil... porque ya digo que son pequeñas tiradas que se agotan pronto. Y luego algunas de ellas alcanzan precios muy altos de segunda mano. Se convierten en objetos de colección. ¿Sabéis que un ejemplar de "The Afronauts" de De Middel en buen estado puede alcanzar los 1200 euros? Pues eso.
Fotografía sudamericana en la Casa de América
Dos exposiciones encontramos en el palacete de la Casa de América en Recoletos esquina con la plaza de Cibeles. La primera de ellas nos cuenta la desorientación del fotógrafo cubano José Alberto Figueroa a quien junto con su mujer, la caída del muro de Berlín y de los regímenes comunistas en Europa les pilló en la capital alemana... en el lado oriental, para más INRI. El título de la exposición, en alemán, "Und Jetzt?". Y ahora qué...
La otra exposición es una colectiva, realizada a partir del visionado de porfolios de fotógrafos diversos latinoamericanos, y que con el título "Cartografías íntimas, un acercamiento a las relaciones interpersonales", recoge fotografías o series de ellas que buscan evocar lugares o momentos, sensaciones o sentimientos, que marcan las relaciones entre las personas. O diálogos visuales entre las mismas. Más interesante esta que la anterior, que me parece más anecdótica, aunque no carezca de miga.
Rostros en el Centro Cibeles
El tema principal de la edición de este año de PHotoEspaña es "Europa" o el estado actual de la fotografía en el continente europeo. Me acerco a este Centro Cibeles, que no conocía, y que se encuentra en lo que es el tradicional y presuntuoso Palacio de Comunicaciones, antigua sede de los servicios de correos y telégrafos en la plaza de Cibeles. Y en la exposición que acoge me sumerjo totalmente en ese tema, Europa, a través del retrato.
Estamos ante otra exposición colectiva, esta vez con muestras del trabajo de algunos de los fotógrafos más representativos del panorama actual europeo. Nombres como García-Alix, Corbijn, Teller, Mikhailov, Dijkstra, Ruff,... entre otros muchos, muchos de ellos nombres consagrados en el panorama fotógrafíco actual, nos muestran sus capacidades para el retrato, la diversidad conceptual de los mismos, así como la diversidad que se esconde dentras del concepto de europeos, siendo las personas de este subcontinente el principal objeto de sus obras. A mí, las colectivas me suelen dejar siempre algo insatisfecho... De algunos de los fotógrafos quisiera conocer más... otros me pueden resultar superfluos. En cualquier caso, estamos ante un panorama bastante rico, que puede abrir el apetito a un mayor conocimiento de la obra de cualquiera de ellos.
Diversidad de ofertas en el Círculo de Bellas Artes
El CBA suele ser una cita ineludible cada verano. Pero al mismo tiempo, su oferta puede tener que ver, o no, con el tema principal del festival. En esta ocasión,... no nos podemos quejar. Dos de tres exposiciones se enmarcan plenamente en la temática europea. Veámoslo.
Se sale de las expectativas la muestra sobre la obra de la fotógrafa norteamericana Louise Dahl-Wolfe, "Con estilo propio". Básicamente norteamericana... fotografía de moda.
Interesante representante de lo que es la fotografía de moda y editorial en los años 40 y 50, hay que reconocer las virtudes estéticas y conceptuales de la fotógrafa. Y sin embargo, es cuándo se sale de la fotografía de moda y propone imágenes más personales, algunos desnudos, algún autorretrato, cuando se sale del famoseo y la alta costura, cuando más me interesa su obra. No obstante, como digo, se sale de las expectivas del tema del festival y, siendo interesante, da la sensción de ser un pegote.
Más en línea con el tema de Europa, y especialmente con la construcción y la identidad europea está el ensayo fotográfico "The Castle (El castillo)" de Federico Clavarino.
El italiano en una instalación fotográfica dividida en cuatro capítulos, nos desgrana su visión de la naturaleza de la identidad europea, desde el mito fundacional hasta los elementos de futuro, que con más o menos incertidumbre se asoman en el horizonte. Estamos ante una obra de claro corte conceptual, que incide más en los símbolos que en la estética o en las formas. Más compleja de comprender para muchos.
Y quizá una de las grandes exposiciones del festival, totalmente comprometida con la reflexión sobre el fenómeno europeo, es la colectiva que surge de los fondos de la colección de Nicolas Motelay con el título de "Transiciones, diez años que trastornaron Europa".
Los diez años a los que hace referencia el título de la exposición son los que van entre 1979 y 1989, y de alguna forma se relacionan, en términos europeos, aunque el fenómeno pudiera ser mundial, como el tiempo que va desde la llegada de Margaret Thatcher al poder hasta la caída del muro de Berlín. Cierto es que en la obra encontramos fotografías tomadas antes y, quizá, después de ese período de tiempo. Obras que corresponden a fotógrafos destacados del Reino Unido, Bélgica, Francia, Alemania, Rusia, Ucrania, Finlandia,... no sé si me dejo alguno. Pero que abarcar una evolución sociopolítica de carácter, cuando menos, continental. Desde los perfeccionistas pero aburridos, desde mi humilde punto de vista, fotógrafos alemanes de la escuela de Duseldorf, cuya obra nunca había encontrado también acomodada como en esta exposición, hasta las interesantes miradas de Boris Mikhailov a Rusia y Ucrania, pre y post comunismo.
Lucia Moholy en la galería Loewe Gran Vía
Desde hace unos años, la superpija tienda de Loewe en la Gran Vía madrileña patrocina y participa en el festival PHotoEspaña. Y en ocasiones con propuestas interesantes... aunque con frecuencia ignoradas por el respetable. Casi nunca me encuentro a nadie en la sala de exposiciones. Y eso que la gente de la tienda son muy amables aunque saben que lo tuyo no es comprar uno de sus bolsos.
En esta ocasión nos traen a una fotógrafa por la que siente notable simpatía, Lucia Moholy.
Lucia Moholy suele arrastrar el peso de ser más conocida por haber sido durante una etapa de su vida la esposa del artista László Moholy-Nagy, con quien pasó bastantes años trabajando en la Bauhaus. Durante esta etapa, la fotógrafa realizó un importante esfuerzo documentando con su cámara todos los aspectos de la vida académica en la institución, así como fotografiando muchos de los diseños y productos que salían de sus aulas y talleres. Poco reconocida hasta hace poco, en la actualidad su trabajo está empezando a ser mucho más considerado, siendo valorada por sí misma más allá de por las personas o los ambientes en los que se relacionó. También realizó reportajes en diversas parte de Europa.
Inge Morath, el Danubio y ocho fotógrafas contemporáneas en el Espacio Fundación Telefónica
Hablaré ahora de una de las sorpresas más agradables del festival. En los años 50, la fotógrafa austriaca Inge Morath, que nació en Graz, a orillas del río Danubio, arteria que une un considerable número de países europeos, quiso recorrer el curso del mismo y hacer un trabajo de documentación de la vida en sus orillas. No lo pudo completar en aquel momento. La guerra fría y las tensiones políticas junto con las férreas dictaduras de algunos de los países tras el telón de acero impidieron su recorrido. No fue hasta los años 90 cuando pudo cumplir su cometido.
En esta exposición encontramos 60 fotografías de ese trabajo. Y algo más. En 2014, un grupo de fotógrafas galardonadas con el premio Inge Morath, constituido con la ayuda de la Magnum Photos, decidieron seguir las huellas de Morath, y durante algo más de un mes recorrieron el Danubio, con un camión convertido en sala de exposiciones ambulantes, y documentando a su vez esa geografía humana y natural en la actualidad.
La exposición nos ofrece una buena muestra de las fotografías que recogieron cada una de las fotógrafas, cada una con su estilo muy diverso, junto con abundante material de cómo se hizo y cómo sucedió.
Reconozco que fue una de las exposiciones con las que más disfruté a lo largo del día. A la que dedicamos bastante rato, fijándonos en los detalles. Y con las ganas permanentes de qué pena no poder participar en un proyecto así. Incluso pensando en la posibilidad de hacerlo a título particular, usar unas vacaciones para desarrollar más modestamente un proyecto de conocimiento más profundo de una región emblemática por algún motivo. Vamos... cambiar la forma en que hacemos habitualmente nuestras vacaciones.
Nos han quedado muchas exposiciones interesantes sin ver. Pero un día da para lo que da, especialmente si además hay que encontrar tiempo para conversar con los amigos hace un tiempo descuidados. Me estoy planteando volver un poco más adelante... especialmente porque me apetecería complementarlo con la exposición del Bosco en el Prado. Ya veremos.
De momento, os dejo con el vídeo de la experiencia de las ocho fotógrafas en el Danubio... Es casi media hora, pero está bastante bien.
Y estoy aquí de nuevo un domingo por la mañana recopilando aquellas noticias o artículos que he encontrado durante la semana en internet relacionadas con el mundo de la fotografía y que me han parecido interesantes, y que creo que pueden interesar a otros aficionados. Pero en primer lugar, como siempre, el tablero de Pinterest de la semana.
Intento poner en estos tableros todo lo que veo y me gusta o me llama la atención... pero a veces no es posible. Uno de mis fotógrafos conceptuales favoritos es Duane Michals, de quien ya he hablado por aquí en otras ocasiones. El caso es que en muchas ocasiones no tiene sentido "pinear" una fotografía aislada suya... ni aunque lo haga con una de sus series entera... hay que verlas juntas y en orden, algo que es difícil de conseguir en Pinterest. Por ejemplo en el tumblelog de Only Old Photography, el 11 de junio pusieron una notabilísima serie de Michals, llena de signficados, surrealista, profunda, cíclica... titulada "Things are Queer, 1973". Esto no se puede "pinear" de forma coherente. ¿Tendré que abrir un tumblelog para este tipo de situaciones? Me lo pensaré. Aunque últimamente no voy precisamente sobrado de tiempo.
Ayer estuve en Madrid. Llevaba casi dos años sin ir. Desde octubre de 2014. Y me he saltado dos ediciones de PhotoEspaña, desde la que visité en junio de 2013. Que me trae malos recuerdos. No por la visita en sí misma, sino por las consecuencias inmediatas al regreso. Las fotos que acompañan la entrada de hoy proceden de la visita, a la que me llevé mi pequeña, discreta y fiel Leica D-Lux. En principio, había pensado dedicar la entrada de hoy a las exposiciones de PhotoEspaña que visité. Pero he decidido que les dedicaré una entrada en exclusiva. De momento, como aperitivo, diré que una de las más interesantes, o que a mí más me gustó, ha sido la de Cristina De Middel en Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa. Ya hablaré de ella. Pero de momento, os dejo una entrevista que le hicieron esta semana en Clavoardiendo. Es la fotógrafa de moda en España. Y creo que con motivos...
Nunca había entrado ni el Museo de la Biblioteca Nacional, ni el Centro Cibeles, antiguo Palacio de Telecomunicaciones,... Pero con motivo de PhotoEspaña he podido visitarlos por dentro. Interesante este último.
Rodney Smith es un fotógrafo de moda especialmente activo cuyo estilo me traslada a un pasado de forma doble. En primer lugar porque en lo que se refiere a su forma de presentar las creaciones y los modelos me recuerda más a colegas suyos de los años 50 o 60, que a sus coetáneos de los años 70 y posteriores. Lo cual hace que sus fotografías son indudablemente elegantes, muy elegantes. Pero también nos echa la mirada hacia atrás por la indudable influencia que el surrealismo, especialmente René Magritte, tiene en sus imágenes, lo que hace que se salgan de los caminos trillados. Hay un humor y aparente desenfado, pero también hay espacio para la reflexión. Nos lo han contando en Hunter Art Magazine.
El Círculo de Bellas Artes, cada vez más cara la entrada, estamos de vacas flacas para la cultura, es un habitual de las sedes de la sección oficial de PhotoEspaña; a la salida, nos encontramos subiendo por Alcalá y Gran Vía una manifestación ciclonudista.
Nicholas Nixon es un fotógrafo que también me gusta mucho. Si la anterior es una mujer conocida por muchos sus aspectos de su trabajo entre los que incluía el proyecto sobre Tiny, Nixon es conocido fundamentalmente por su proyecto de toda la vida sobre las hermanas Brown, pero tiene otros proyectos que también son muy interesantes. En las páginas de The New York Times nos hablan de "A photographer's eye" en el cual toma fotografías de su propio ojo. Fotografías difíciles de realizar, pero que adquieren gracias a la creatividad del fotógrafo nuevo significados.
De Middel, en la entrevista que he mencionado antes dice algo que puede resultar provocador. En general, creo que le gusta ser provocadora...
La foto de calle, a menos que seas Bruce Gilden con un trabajo tan faraónico, no dice nada.
Santo cielo... con lo importantes que se creen muchísimos con esto de la "street photography"... en inglés, para desmarcarse de los que simplemente documentan el mundo cuando pasean por la calle, sin asumirlo como un género en sí mismo. Bien. Que conste que a mí el estilo de Gilden no me gusta. Nada. Sus fotos... depende. En cualquier caso, en Cada día un fotógrafo nos hablan de Ando Fuchs, fotógrafo austriaco al que asignan de forma indirecta la etiqueta de "fotógrafo de calle". Aunque no voy a ser tan radical como De Middel, ni tengo tanta autoridad para serlo, lo cierto es que si hubiera reconocido a Fuchs como tal, probablemente no estaría aquí. Pero para mí... mi sensación es que es un paisajista. Lo único que en ocasiones el paisaje es el de la calle. También hace unos retratos estupendos. ¿O serán paisajes del rostro de las personas? ¿Tendrá algo que ver en esa sensación el formato cuadrado y los encuadres cerrados? Que cada uno juzgue.
Por la tarde, con el calor instalado, alternamos exposiciones con cervecitas frescas, por el llamado "barrio de la Letras", donde hay mucha cultura mezclada con tapeo y turisteo.
Volvamos al surrealismo y a la prolongada sombre de René Magritte. Que como nos cuentan en Feature Shoot, podemos encontrar en la serie "SUITS" de Ben Zank. Fotografía escenificada en riguroso blanco y negro, que tiene momentos más conseguidos y otros menos, pero que merece la pena un vistazo. Por cierto... que no toda fotografía de un señor con traje y sombrero y al que no se le ve la cara va a ser un "magritte", ¿verdad? A ver si nos ponemos un poquito más exigentes.
Un trabajo documental puro, pero lleno de cariño y sensibilidad, el de Julia Cybularz, tal y como nos lo presentan en American Photo. Su serie "Breaking the Girl" acompaña la odisea de su sobrina Hannah durante cinco años en tratamiento con una compleja escoliosis idiopática, durante los difíciles años del paso de la infancia a la adolescencia. Ser familia supongo que habrá facilitado la comunicación y las fotografías, pero no me parece una serie nada fácil. Especialmente por el dolor físico y moral que puede tener la niña, de tan serena mirada.
Fachadas con decoraciones modernas y otras más tradicionales mientras nos dirigíamos a la galería, librería y tienda de La Fábrica; donde además había otra exposición de Cristina De Middel.
Antes de cerrar con una curiosidad las recomendaciones de hoy, cerraremos el ciclo también con una noticia sobre una fotógrafa española joven, PhotoEspaña, y el hecho de que la noticia nos la proporcione Clavoardiendo, una revista en línea de fotografía que no puedo dejar de recomendar a todos los aficionados a la fotografía. Y se trata de que en el certamen han concedido el Premio Revelación PhotoEspaña 2016 a la fotógrafa catalana Laia Abril. Esta fotógrafa también se ha asomado a estas páginas en alguna ocasión. Una fotógrafa que ha centrado buena parte de su trabajo en la mujer y en la sexualidad. Siempre con respeto, con mucho respeto, y con especial interés en mostrar y defender la diversidad. Pues me parece muy bien.
Decía que iba a terminar con una curiosidad. Que tal si uno pudiese introducirse en una cámara fotografica. Con un objetivo de 3000 mm de longitud focal, para una imagen redonda de aproximadamente 2400 mm de diámetro. Como vemos esos 3000 mm hay que situarlos en el terreno de las focales estándar en este caso... Si queréis conocer más detalles de este "aparato" visitad Cooph Magazine. Sí, se trata de una cámara oscura, en la que la luz entra a través de una lente en lugar de un estenopo... Como decía, curioso. Se debe a Heinrich & Palmer (Anna y Leon).
Dos jardines para terminar el día, el vertical de Caixaforum y el tropical de Puerta de Atocha... En el primero, flores y abejitas, en el segundo, animales con caparazón; "stormtroopers" de la Guerra de las Galaxias y tortugas, muchas muchas tortugas.
Este domingo me he encontrado con una abundancia de artículos guardados en Pocket, aptos desde mi subjetivo punto de vista para ser comentados en mis recomendaciones fotográficas de cada domingo. Algún tipo de selección u organización tendré que hacer para no hacerme eterno, tanto en el tiempo como en el espacio. De momento, el tablero de Pinterest de la semana. Que lógicamente también viene bien nutrido de fotografías.
Las fotografías que acompañan a la entrada de hoy son paisajes del Parque del Agua de Zaragoza y de los Sotos de Ranillas que se encuentran adyacentes. Una tarde tristona de luz, pero fresca después de que el calor se haya empezado a apoderar poco a poco de la ciudad. Las fotografías están tomadas con la Canon EOS 5D Mark II calzada con un "nuevo" objetivo fabricado tras el Telón de Acero. Se trata de un Helios 44M 58 mm 1:2. Por motivos que yo creo que tienen que ver más con el mito que con la realidad, se está convirtiendo en un objeto de fetiche. La verdad es que en las cuatro o cinco décadas que los Helios 58 mm 1:2, copias de los Carl Zeiss Jena Biotar 58 mm 1:2, estos a su vez un diseño Planar de Carl Zeiss usado con otro nombre comercial por temas de litigios de patentes, se hicieron millones y millones de ellos. Y se pueden encontrar muchos y muy baratos. Hablaré con más detalle de sus virtudes y sus defectos otro días.
Empiezo con el escándalo de los últimos tiempos. El prestigioso fotógrafo de National Geographic Steve McCurry, más que retocar sus fotografías, las manipula. Y parece que la comunidad internetera ha decidido que en exceso. Creo que ya hace unos días que manifesté una cosa. National Geographic no se dedica al periodismo y a la información precisa. Su vocación siempre ha sido la de dar a conocer a los norteamericanos primero, al resto del mundo después, las maravillas del mundo y el universo de una forma más bien amable. Desde ese punto de vista... cuesta trabajo sorprenderse de que el trabajo de sus fotógrafos sea sometido a un fuerte procesado para ajustarse a esa visión estéticamente perfecta del mundo. Incluso de la pobreza... legado el caso. Pero bueno. A McCurry le están lloviendo palos por todos lo lados, y no colabora en su descargo que, como nos informan en Quesabesde, haya borrado su blog personal... que yo seguía. Ale... a pensar qué queremos. Fotos perfectas o bonitas, o fotos menos perfectas y bonitas que nos informen con precisión. Yo no tengo claro que todo el común esté a favor de esto último... oye. No vayamos a ser hipócritas... o más de lo habitual.
Tenemos ya encima, con algunas exposiciones ya en marcha, el festival de PhotoEspaña 2016, el más importante festival de fotografía de nuestro país, que tienen desde siempre la ocurrencia de celebrar en los meses de más calor atorrante. Si eres de Madrid, donde se celebra la mayor parte del festival, aun puedes dosificar el esfuerzo. Si vas de fuera, y pretendes una maratón a ver las exposiciones más importantes, asume la deshidratación. Tuve una muy mala experiencia en la edición del 2013, mezclada con incordios familiares, que ha hecho que me haya saltado las dos últimas ediciones. Salvo las exposiciones que se celebran en Zaragoza, que las hay. Este año también. Ya os iré hablando de ellas. No obstante, este año me gustaría acercarme por la capital.
El tema de la edición de 2016 es Europa. Y en estos últimos días ya han aparecido algunas sugerencias interesantes, que no son ni de lejos exhaustivas:
El viaje de Inge Morath por el Danubio, y el proyecto de ocho fotógrafas actuales por recrearlo en la Fundación Telefónica de Madrid. Nos lo cuentan en Yorokubu.
Hoy no he empezado por un fotógrafo clásico como es habitual. Pero lo tengo previsto. Fotógrafa más bien. Se trata de la muy personal Diane Arbus. Me encontre una referencia en el tumblelog del MoMA, que me llevó a dos artículos del New York Times. Uno de ellos, fundamentalmente texto, nos cuenta cómo esta fotógrafa que empezó con un negocio con su marido de fotografía de moda, acabó separada del marido y dedicada a un tipo de fotografía muy distinto que la hace un referente y una influencia fundamental en la fotografía posterior. El otro hace un repaso a los primeros años de la fotógrafa, a sus principios antes de que adoptara del todo su estilo particular, de retratos con cámara de medio formato en formato cuadrado. Y ya apuntaba maneras la fotógrafa, ya. El paso de una fotógrafa comercial a una artista de la fotografía.
Barack Obama es un presidente de los Estados Unidos que se ha caracterizado por hablar mucho, aparentar más todavía, y hacer... no sé muy bien qué es lo que ha hecho ni si me gusta. Pero parece más un producto de mercadotecnica que un líder capaz, que es lo que nos han estado vendiendo durante más de ocho años. Recordemos que le hicieron Premio Nobel de la Paz antes de que hubiese podido tomar ninguna decisión para trabajar por la misma... yo aluciné. Y en su esfuerzo de imagen perfecta no ceja, incluso a medio año del final de su mandato. Y se ha apuntado el tanto de ser el primer presidente norteamericano en visitar Hiroshima. Es curiosa la propaganda de los líderes de Estados Unidos y de muchos líderes conservadores europeos por lo peligrosos que son algunos pequeños países del mundo con regímenes más o menos horribles, por que buscan obtener armas de destrucción masiva. Estados Unidos tiene arsenal suficiente para un apocalipsis en condiciones varias veces... lo mismo que algunos de sus "amigos" como la Federación Rusa y la República Popular China... y otros. Pero lo cierto es que el testimonio de Hiroshima es importante. Y el gesto propagandístico de Obama ha producido algún artículo que no deja de ser útil. Como el que dedican en The Bristish Journal of Photography a las fotografías de Wayne Miller tomadas en septiembre de 1945, sólo un mes tras la catástrofe. También sobre este tema el International Center of Photography nos cuenta cómo fotógrafos oficiales tomaron más de 1100 fotografías de Punto Cero del ataque, de las cuales 700 están en su colección. Los contenidos de las mismas estuvieron restringidos al gran público... no falta la censura en los "vigilantes de la democracia liberal". pero ahora podemos verlas.
Llegúemonos hasta la fotografía contemporánea. Me ha interesado la entrevista que en Lenscratch reproducen a la fotógrafa Tina Barney. Y también me han parecido muy interesantes sus retratos de grupos en entornos y situaciones más o menos espontáneas, más o menos escenificadas. Excelente fotógrafa en color, que quienes más me conocen saben que yo respeto tanto o más que el blanco y negro, siempre considerado "más artístico". La entrevista está realizada por Ken Weingart, que tiene un blog dedicado a entrevistar a otros fotógrafos.
En el párrafo anterior defendía las cualidades de la fotografía en color. Un ámbito en el que esta reina es el de la fotografía de naturaleza. Sin embargo, hay algunos fotógrafos por ahí que nos demuestran que se puede hacer un excelente trabajo con el blanco y negro en todo tipo de entornos. Como es el caso de Gregor Törzs y sus fotografías de la fauna acuática, o sus estudios sobre la cristalización de los minerales. Nos lo han contado en L'Oeil de la Photographie.
Hablando de meterse en el agua... Eso es lo que hace la japonesa Asako Narahashi en algunas de sus series, como nos cuentan en Cada día un fotógrafo. Pero como la mayor parte de los fotógrafos japoneses su actividad es intensa y variada. Y muy personal. Os recomiendo un paseo por su página web.
En muchas parte del mundo están mal... guerras, pobreza, catástrofes naturales... Se llena el mundo de campos de refugiados, de suburbios degradados, de bolsas de miseria y enfermedad... Y por si fuera poco, un mundo de creencias supersticiosas e irracionales aumentan estas catástrofes cuando algunas de estas personas son incluso más despreciadas por los prejuicios irracionales de los que les rodean. En Feature Shoot nos hablan del trabajo de Eric Gyamfi, que ha retratado a las mujeres del campo de brujas de Gambaga, gueto donde son expulsadas mujeres de toda edad acusadas de brujería. Como miles de mujeres en la Europa de los siglos XV al XVII, como las "brujas" de Nueva Inglaterra, o decenas de supersticiones absurdas, muchas de origen religioso en todo el mundo. Este gueto en Ghana tiene más de 200 años de antigüedad. Y no parece que nadie vaya a hacer nada por acabar con esta ignominia. Para que una mujer vaya a parar allí... pues que alguien la denuncie de ser "bruja".
Se habla mucho de Corea del Norte. Se habla menos de que hay miles de refugiados de Corea del Norte en Corea del Sur, donde llegan huyendo a través de China. En Time nos hablan del trabajo de la fotógrafa Caitlin O'Hara que ha documentado la vida de dos jóvenes muchachas refugiadas a las que la vida no les trata mal. Pero subyace el problema de aquellos que son detenidos en China cuando escapan, y son retornados a Corea del Norte, donde sufren graves represalias. Problemas con los refugiados en todas partes del mundo. Nadie los quiere... salvo que sean guapos y bien vestidos como los que salían en la película Casablanca.
Terminemos en términos menos dramáticos. Para los más aficionados a lo erótico-festivo... en Quesabesde nos han propuesto una lista de 10 autoras, mujeres ¿eh?, dedicadas a la fotografía erótica. Bueno... he estado repasando el trabajo de las mismas, y algunas más que fotografía erótica son fotógrafas de desnudo, simplemente. A mi lo de la "nude yoga girl"... pues no sé. De todo hay a la hora de "ponerse"... pero me parece más una reivindicación del cuerpo que de un intento de erotizar al personal. Pero juzgad vosotros.
Y finalizo ahora ya con un artículo de American Suburb X (ASX) sobre los errores afortunados. Errores debidos a motivos técnicos, o a la mala técnica del fotógrafo, o a un despiste... que resultan en fotografías que por algún motivo nos atraen. A mi me pasó recientemente. Es más fácil que sucedan con la película tradicional. Porque quedan físicamente ahí... no son simples bits electrónicos que podemos borrar sobre la marcha... Igual deberíamos pensarnos dos veces cuando decidimos borrar una imagen digital. ¿La hemos mirado bien?
Llevo casi todo el mes queriendo hace artículo, aunque sea breve sobre revistas de fotografía llegadas a mis manos en los últimos tiempos. Porque curiosamente no han sido pocas, y han sido interesantes. Pero por contra, la continuidad con la que he leído, observado y analizado su contenido ha sido escasa. Muchas interrupciones, poca concentración. Por lo tanto, es posible que en un futuro todavía retome algunos de los números que han llegado a mis manos durante el mes de julio. Acompaño la entrada de imágenes de la zona suburbana de Zaragoza, con la dureza de la luz del verano.
La principal novedad de este mes vino del REINO UNIDO. La excelente y veterana BRITISH JOURNAL OF PHOTOGRAPHY nos presentaba su número mensual con una portada bien expresiva en su titular principal:
"¡Viva España! Spanish are coming: A golden generation emerges".
Efectivamente, el último número de BJP estaba dedicado a la fotografía española contemporánea. Antes de empezar a leer mi versión para iPAD tenía la sensación de que, dada la coincidencia de fechas con PHOTOESPAÑA 2014, el principal certamen fotográfico del país, que este año iba a tratar específicamente sobre la fotografía española, la cosa iba a ir sobre lo que se presentaba en las exposiciones, cursos, seminarios y novedades bibliográficas de este año. Pero no. Ni mucho menos. Lejos de mostrar connivencia o condescendencia con las propuestas del certamen, consideradas por algunos como una enésima mirada atrás tipo "cualquier tiempo pasado fue mejor", la revista británica nos mostraba otro tipo de artistas y trabajos.
Para empezar, el plato gordo es JOAN FONTCUBERTA, un fotógrafo y teórico de la fotografía que cada vez voy comprobando más que tiene más predicamente fuera de nuestras fronteras que dentro de ellas. En los últimos tiempos no deja de aparecer en páginas de todo el mundo en tonos elogiosos, como un fotógrafo con propuestas interesantes. Al mismo tiempo, entre los sabios de fronteras adentro, no deja de aparecer con críticas que en no pocas ocasiones tienen tono ácido o mordaz. Lo de no ser profeta en su tierra. Por mi parte, en lo que conozco de este autor, hay cosas que hace me parecen interesantes y otras que no tanto. Pero yo no soy un sabio. Sólo un mero aficionado que intenta aprender. Y a veces lo ponen difícil entre los unos y los otros...
En cualquier caso, hay otros diversos fotógrafos que son propuestos a nuestra consideración. Algunos de ellos, dado que en el país pintan bastos para la economía y para el arte y la cultura, han salido de nuestras fronteras para avanzar y encontrar su sitio en el mundo del arte contemporáneo. Otros, muy interesantes, están buscando caminos propios, fuera del apoyo y tradicional dependencia de las administraciones públicas, constituyendo grupos, pequeñas editoriales e incluso la autoedición como solución a la difusión de su obra. Es evidente que el libro como soporte del medio fotográfico va ganando impulso cada vez más. Algunos nombres, para qué podáis buscar y mirar qué proponen,... JULIÁN BARÓN, RICARDO CASES, DAVID HORNILLOS, FOSI VEGUÉ, LAIA ABRIL, TXEMA SALVANS, CRISTINA DE MIDDEL, BUBI CANAL y ALBERTO LIZARALDE.
Os puedo asegurar que encontraréis fotografía contemporánea, para todos los gustos y con propuestas muy interesantes, tanto en el aspecto estético, como en el documental, como en el conceptual.
Tanto a día uno de julio como hoy uno de agosto, hemos tenido la edición mensual de la revista en línea de fotografía FRACTION MAGAZINE, que cada mes nos presenta cuatro porfolios de cuatro fotógrafos diferentes, así como alguna recomendación de algún libro recientemente editado.
En el número 64, correspondiente a julio podemos encontrar un interesante porfolio de la fotógrafa RANIA MATAR (sitio web) dedicado a las mujeres que hoy en día consideramos todavía jóvenes y en plena actividad personal, pero que sobre sus rasgos y su cuerpo empiezan a marcarse los signos del paso de la edad. Algo que en nuestras sociedades, en las que el culto a ciertos estándares de belleza, a la juventud y a cierta sexualidad, todavía tiene una gran importancia colectiva. No siempre se ve el proceso de progresivo y alargado envejecimiento de hoy en día, comparado con el acelerado de tiempo atrás, con la naturalidad que se debería.
En el número 65, podemos observar el trabajo de MORGAN ASHCOM (sitio web). Los Estados Unidos son un país enorme, con amplias extensiones de territorio escasamente urbanizadas. Cadenas montañosas, grandes praderas,... lugares ideales para que grupos de personas excéntricos a las comunidades más normalizadas e integradas, encuentren su rincón donde desarrollar sus formas de vivir alternativas con mayor o menor libertad.. ASHCOM sigue durante unas semanas la vida de uno de estos grupos, que huyen del control de la autoridad civil, en formas de "anarquismo" peculiares.
Existe una edición japonesa de la anterior revista en línea, FRACTION MAGAZINE JAPAN, en la que predominan los autores del extremo oriente asiático, y especialmente los japoneses. Tiene una frecuencia menor, trimestral. Pero quizá por ello no es raro encontrar una mayor densidad de porfolios más interesantes, de buena calidad, entre sus propuestas.
Japón es un país formado por islas que se extienden desde regiones frías por las corrientes marinas polares hasta entornos tropicales bastante más al sur. TAKAHIRO YAMASHITA (sitio web) nos traslada a una de las regiones frías, en concreto opta por reflexionar con su cámara fotográfica sobre los paisajes y las vidas de las gente en los días de intensas borrascas de nieve que se dan de vez en cuando en el invierno del norte japonés.
KENJI KAWAMOTO (sitio web) prefiere elegir la gran ciudad, con su frenético ritmo de vida, y con los agobios que sufren sus habitantes. Habitantes que a veces encuentran desfallecidos, o simplemente dormidos, en los rincones de sus calles, de sus estaciones de tren o de metro, en los bancos de sus parques o sus plazas.
KIKUNA MISHIMA (sitio web) opta por un enfoque menos documental y más conceptual, ya que convierte sus fotografías en las ilustraciones de los libros de cuentos de su infancia, aunque en este caso ilustren, en ocasiones de forma metafórica, el mundo en el que vive la autora.
Por último recordar que los editores de la revista en formato PDF de fotografía en blanco y negro ADORE NOIR, sacaron en mayo su hermana dedicada a la fotografía en color ADORE CHROME, que en el mes de julio sacó su segundo número. Todavía estoy un poco a la expectativa, porque no sé si ha encontrado de forma clara su camino como lo hace la primera. Pero estaremos al tanto.
